05 mars 2018

Call Me By Your Name: review (Book & Movie)

Call Me By Your Name


To read only if you’ve seen the movie because of course there are spoilers!

Plus, it’s no more than some of my thoughts rather than a review.


Oscar nominations, great reviews, covers, promotional tours…it’s hard to miss the new cinema phenomenon “Call Me By Your Name” directed by Luca Guadagnino and starring Timothée Chalamet (youngest nominee since 1939 – he’s 22 years old) and Armie Hammer.


Here’s what I thought of both the book (written by André Aciman in 2007) and the movie:

                This was one of the books that I’ve most loved lately. It’s pure perfection. I never read anything like this. It’s real, true, sincere. André Aciman plays with words as love plays with our hearts. Every single word is accurate, precise, sharp, right. I felt everything.

Reading it was like a tempest. I went through all situations: I cried, I laughed, I smiled, I was happy but also pissed off (so much!), often angry towards Oliver but the other time my anger was against Elio. At Oliver because one time he was saying something and the next time it was already something else. Then, I felt sorry for Elio but then he pissed me off too because he wants Oliver but few hours later he’s like “No I don’t want you anymore”.

Angry at Elio…or was it against myself? Because here’s the thing. This book or especially the character of Elio, could perfectly personify, embody your life whether you’re gay or not. We find ourselves in Elio somehow. We can totally relate to him, his hopes, fears, dreams, illusions or hallucinations, nightmares… It’s like this book is your own tempest.

Some sentences were so true and felt so real, and I could literally hear inside my head my voice saying “Yeah, this is exactly it! This is what I think or what I feel! It’s insane! Is the author inside my head?” Words are powerful. Though, the last part of the book is what really killed me. I seriously cried all through the last 50 pages so hard…Sometimes I barely could see through my tears. I’ve never cried that much over a book. The speech of the dad…the idea of Oliver’s leaving…his and Elio’s last moments together... Well, it was deeply moving, overwhelming, fascinating, real (truth) and so natural.

In the end, in some parts of the book we could wonder if Elio was more in love with the idea of being in love or with Oliver…but that’s debatable.

 “Call me by your name and I’ll call you by mine”. That sentence. At first, before reading the book and knowing nothing about the story, I made the assumption it was like “your name”… one day we’ll get married, we’ll exchange our names. For me, it was their way to link to one another. But I was so wrong. Actually, it was the fact of calling one another by each other’s name to intensify, deepen the feels while they were having sex, to feel more, to feel full as one body. I guess. If I remember well, Oliver says something such as “it’s like making love to yourself”.


              This book is all about youth, finding who we are, finding our path. It’s an introspection of ourselves. The book revisits this so huge classic that is first love, the heartbreak, and which impact it has on you as a person.  But this is also discovering who and how you are with someone else.

I may add that the book and the movie goes further in the way that, of course, a person can change your life but a place as well. Their story happened in Crema (and nearby), that will never change but it has changed the people who were there (E & O). Each of them has left a piece of their personality in Crema, in Italy and it’s crazier when you think it was over such a short period of time. They arrive the way they were but leave forever changed thanks to different factors: the environment, the Italian atmosphere, even the weather may have played a role. What I mean is that it’s not just a combination of circumstances that brought Elio and Oliver closer to one another. And also, this experience changed them in a common manner but mostly in an individual manner.

Actually, there’s one thing I don’t get. Oliver could have leave his life from the US, walk away from it and choose to stay with Elio. He loved Elio so much so it’s hard to understand. He could have stayed but no…he decided to get married with somebody else and have kids. Of course, I understand, as he says in the book his dad would have send him in a correction house. To be honest, I think the role of the parents had a huge role in the story. See, Elio lives freely, experience lots of things, talks about everything to his parents, confides in his parents a lot because they permit it and they raised their kid this way. They are very open-minded. Nothing will ever be more beautiful than this speech given by Elio’s dad. They accept who their son is, they’re even very proud. And this is why Elio is dreamier about this relationship, allows himself to feel more and even more painfully we may add. Oliver, always knew in a part of this mind that he will eventually have to go back to his old life.


             However, the book goes further than the movie actually and this is where things tend to differ. Normally, Oliver comes back after leaving that summer and it’s during his short stay that he announces to Elio, face-to-face then, that he’s gonna get married. Elio takes it well at first just to hide his disillusionment, his pain and the fact that he’s crushed and broken. That sorrow is the hardest he’ll ever have to face. But the book goes further, and we meet again Elio and Oliver throughout the years until 20 years later actually. They rediscover themselves. To be fair, there’s something strange and funny with the book related to this part. In the first part, it’s all about Elio, there’s little of Oliver’s opinions but the last part it’s the opposite: we know little about what Elio has been up to for the past 20 years whereas we know a lot of Oliver and his family. But after all this time, their relationship is still beautiful and sincere, and they’ve never forgotten what they had, what they’ve been through. Like Oliver says “I’m just like you. I remember everything”. They remember a couple of days which happened 20 years ago like if it had happened yesterday and it’s so much more than what people can usually wish for.

The last paragraph is the one of the best ones ever written because it still symbolizes Elio’s hope and desire at the same time. He just wants Oliver to turn around and call him one last time by his name: “If you remember everything, I wanted to say, and if you are really like me, then before you leave tomorrow, or when you're just ready to shut the door of the taxi [...] look me in the face, hold my gaze, and call me by your name".

And this is where the movie differs because it ends with Elio learning Oliver’s wedding over the phone. Then, Elio goes to the fireplace, sits in front of it and starts crying.

Timothée Chalamet’s performance in this very last scene is nothing short of spectacular. He’s a wonderful actor.  He cries for about one minute, even more, the look lost in the flames. His tears are rolling down his cheeks. It seems the world keeps spinning around him, Elio is like in his own bubble. We keep hearing the noises around him, of the kitchen, the dishes tinkling between them, people walking around. It’s so intense and we just feel all this pain. I was so breathless during this entire sequence. Timmy is showing all the facets of his acting. And then, suddenly we hear Elio’s mum saying his name, once, twice and Elio finally gets out of his bubble and turns his head in direction of his mum who is standing behind him.  Even this gesture is full of symbols. It represents Elio turning towards the future and towards the thought it’s perhaps time to finally move on.


             Moreover, the soundtrack was such a pleasure for the ears. Sufjan Stevens is signing here two incredible songs: “Mystery of Love” (nominated for the Best Original Song Academy Award) and “Visions of Gideon”. What is well thought out is that the lyrics sticks to the story but mostly to the scenes shown on screen.  For instance, “Mystery of Love” is about first times like “The first time that you kissed me / The first time that you touched me” whereas “Visions of Gideon”, which is at the end of the movie, is all about last times with “I have loved you for the last time / I have touched you for the last time / And I have kissed you for the last time”. The latter, intensifies the fireplace scene so much. Actually, I’ve read somewhere that to get into the emotion of the scene Timothée had a earplug playing this song so it could feel the lyrics and it meant so that tears could come down naturally.

Plus, there are songs representing the “international side” of the movie. Like French songs “Bandolero – Paris Latino” or Italian ones “J’adore Venise – Loredana Berte”. In fact, in the movie the actors are speaking French, English, Italian, etc. Actually, Timmy who is French and American had to learn Italian before filming but also how to play the piano. There are lots of scenes with Elio playing the piano and transcribing music. He’s very talented and the “classical” soundtrack is on point as well. In truth, the piano is an object of its own. A tool to the story. It represents dialogues between Elio and Oliver especially at the beginning where Oliver is asking Elio to play over and over again. But also in this scene where the family receives some friends. The piano is like an obstacle between Oliver running up the stairs and Elio sadness downstairs depicting the distance between them at this moment of the film.


                However, there are parts of the book which aren’t present that much in the movie. But that didn’t bother me because the way it was filmed offset all the “negative” we might encounter while watching. By “negative” I mean the negative effects of not having Elio’s thoughts for instance like in the book. I think the cinematography was awesome. Those long sequences, plans with the characters disappearing of the screen in the horizon was a way to slow the pace of the movie. The silence of the scenes sometimes was a time of reflection and contemplation. It was like taking a step back to get a better view. For me, some of those scenes can be assimilated to Elio’s state of mind, thoughts, doubts…it was a way of expression by itself.

We don’t have the information as well about Oliver’s swimsuits (which could have been great to be honest) or the poetry side or art (Monet secret spot) which lead Oliver in the book to take Monet’s painting in Elio’s bedroom. Talking about art, the book author’s is always making references. He writes about peoms, tragedies, other people’s struggles in literature but in fact, pretty much all of them refer to Elio and Oliver’s story. It’s heart-breaking and devastating sometimes.

But actually, for Elio’s point of view, I think it was a good thing I read the book first, before going to the movies, because it makes the movie even more intense. Plus, Timothée did an amazing job. It was a prowess of acting. We could feel what he felt, know what he thought thanks to his face. Timmy is like an open book with very expressive eyes and gestures which help a lot to understand the complexity of his character. He’s given all of himself, he wasn’t scared to play “fully”. He brought this complexity of the character to life (sometimes a little clumsy, insecure, sincere…). Elio’s break down at the train station, for example, after Oliver left, was poignant, understandable, calling out his mum to get the support he needed. It was a cry for help.

Some scenes were like reading the book which is rare for an adaptation like the one where is crying in Oliver’s arms or him sneaking into (his) Oliver’s bedroom.

Moreover, James Ivory did great adapting the book to the screen. He won the Oscar of Best Screenplay on March 4th, 2018 making him the oldest recipient (89 years old) ever in the Oscar’s history.


                In the movie, some scenes don’t need any explanations at all and shine on their own, without any word…

For instance, Elio’s dad speech was as deep as in the book. It was a very emotional moment. And to be honest, it was a living experience. In the book, with this part I burst into tears, literally. I didn’t want to relive this experience at the movies especially with so many people around me in the room. But, I cried…again. However, what was “fun” to watch was that I had exactly the same reaction as Timothée acting…At first, you’re okay, you just listen to what the dad has to say but the more the speech goes further and the more the feels arrive and we can see Tim go white a little, so as us, holding his breath like us…and then, the camera goes back to him in the end and we can see the tears in his eyes ready to fall just like us. It’s like a long process. This scene represents the perfect depiction of family love and more particularly the father and son’s relationship. Elio is feeling understood by his dad and even if he’s sad I think here he’s mostly grateful to have such an understanding father.

Also, the scene in the car… no words…just a song. We can observe Elio’s layers of sadness in this scene. The song is actually the one that was played on the radio in the bar when Oliver went to play poker with Elio.

PEACH. Yeah I think most of us know what this word means. Personally (& so as my friends) we’ll never going to see a peach the same way ever again. Tim did such a great job here. It takes bravery to play such a scene and I’m glad they still decided to keep this scene and especially I’m glad they kept it as truthful as inside the book. Armie’s acting was on point here as well.


                By the way, let’s talk about Armie Hammer. I’m so disappointed he doesn’t have the recognition he deserves for this movie. He didn’t get as many nominations and awards as I hoped he would. Actually, I’d die to have a “prequel” of Oliver’s life. He’s such an interesting character, complex with multiple facets. I was sad in the book we didn’t get more Oliver’s point of view. It could have been nice to see what he thought of Elio and about this entire situation. But in the other hand, this is why I’m happy about the movie because we had close-face camera shots of Oliver like on his reactions. And this was great because it gave us insights of his mind. Also watching Armie Hammer’s moves on the dancefloor is the best thing EVER!

Also, we’ll never forget the now famous (or should I say infamous) “Later!”. Elio thinks it’s arrogant to say that. But using “Later” is like a way of never going away because “later” is incomplete, it’s an unfinished word. By saying this Oliver shows is here, present, near by and that he’s not far away. With time, it becomes a mark of almost affection. Even the parents say it when Oliver leaves. Maybe I’m crazy but I looked up for the etymology of the word “Later” as Elio’s dad and Oliver do in the book and movie. The etymology is quite fun and ironic I would say because the suffix “-later” is from the Greek “Latrēs” which means “worshipper”. And it’s funny because it’s Elio in the book that says to Oliver “Do I like you Oliver? I worship you”. It’s a very nice parallel.

Finally, the look Oliver gives Elio the last morning, in that bedroom, overlooking Elio while he’s still asleep, was so …waou! Powerful and magnificent. Armie did so well. At this moment, we eventually see he’s suffused with sadness. It’s like a knife in the heart.


                The book is special to me. It left me wordless, upset. Reading it is an experience by itself. It gives you chills, goosebumps. You feel the passion, the sensations, the discussions between the characters are deep, profound. Most of all, the book is sensitive, captivating, timeless and modern. The book, and by default the movie, is about confronting your feelings, searching yourself. You feel like you know something but unless you try it you’ll never know. You have to try your own experiences (Elio’s parents are all for it like I said).

We can see Elio’s attachment to Oliver. It’s almost a possessive one. We can see that in some sentences such as “I don’t want him to be this way with other people if I’m not there, if he’s not like that with me” “I want him to be with other people as he is with me”. But Elio is very wise, so it helps him getting through all the obstacles he might encounter on his way. We see this as weel while Elio is talking to his dad stating that he wouldn’t be him without Oliver and to what his dad responds that Oliver wouldn’t be him without Elio as well. It’s a powerful relationship.


               And it’s in the book that we understand more easily why it has taken so long for the both of them to get together. Like I said I was frustrated about this but the fact is they are the two shiest people in the world! So the story is about misreadings, misunderstandings as well. Oliver was in love since day one, when Elio blushed but they only started being together weeks later, a couple of weeks, days before Oliver’s departure. It seems so unfair in a way.

Plus, in the last part, Elio knows Oliver’s going away soon but he still lives his life acting like if Oliver’s always gonna be here and like if tomorrow wasn’t the next day. The last paragraph of this last part is mostly about a poem of San Clemente (which I’m kind of sad they didn’t mention in the movie) and Elio says “We should go to San Clemente tomorrow!” and here Oliver responds “Tomorrow is today” and actually, I think this is where we know the story ends between them. I was overwhelmed by all those feelings. It was a rollercoaster. One second you’re happy seeing them dancing in the streets and then one second after you’re running out of tissues!

“Call Me By Your Name” truly gives a total new aspect to this sentence that is “If not now, when?”.


Just to conclude, here’s some information:

            Timothée said in an interview that the film taught him some stuff about love like for instance, when you love you have to love fully, jump right in and if you suffer that’s totally normal, it means you’re doing it right.

                Luca Guadagnino is already working on a sequel alongside André Aciman. The story should be set 5 or 6 years later and still starring Timothée and Armie. In my opinion the movie ends in a perfect way. Of course, it’s tragic, it leaves the spectator quite frustrated, but it works. So, it could have been a great ending and that’s why I’m not entirely sure what to expect next. Honestly, I don’t know what to think about this sequel.


And you, what's your opinion on "Call Me By Your Name" ?


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12 février 2018

Altered Carbon : review







The story takes place around the 25th century. A soldier, answering to the name of Takeshi Kovacs, wakes up in another sleeve ("skin") after 250 years of "death". He's hired by a meth (meaning a very rich man) Laurens Bancroft to solve a murder: Bancroft's own murder. Bancroft changed his sleeve but of course he'd like to know who's trying to kill him.

At first, "Altered Carbon" is based on a series of books (trilogy) first published in 2002. (Actually, I bought them but I didn't read them yet so I can't compare the books vs the series).


My opinion:

First of all, the casting was pretty well chosen. The actors are great. I'm not gonna lie: I didn't knew Joel Kinnaman from before given the fact I've never seen "The Killing" nor the Mexican actress, Martha Higareda, playing Kristin Ortega.

Joel, for me, is the perfect guy to impersonate Kovacs: a deep voice, a great body and an acting on point (he has a lot of charisma). As for Ortega, she's one of my favorite alongside Quell (played by Renee Elise Goldsberry): badass, they both have character. I simply love them! Plus, Ortega is loyal and has integrity.

 I also liked the fight scenes (especially the one during episode 4. It was insane!). For a TV Series, I found it to have great action. And the good scenario really helps achieving this. Although, sometimes some storylines struggled a bit. For instance, the storyline with Kovacs's sister, Reileen Kawahara (Dichen Lachman, actress we've already seen in The 100) at the very end started to be quite long in my point of view. I think the story concerning the sister could have been wrapped up in less time. But the end is interesting, learning like this what she did in the past concerning Quell. The chapter is brilliantly closed and it suggests a promising season 2.


"Altered Carbon" enters into the future. As I mentioned in the synopsis people live into "sleeves", meaning they live with other poeple's body, not with their original ones*). Furthermore, their conscience is inside "slacks" which are tiny microchips located at the back of their neck.

*The only people who can afford leaving with their original body are called "meth". They are "very rich people" who can create "clones" of themselves. The meths actually live in the air, up in the sky such as living gods.


For me, sleeves are very useful and very convenient. This process offers you immortality (who has never dreamt of that?). Of course you'll be alive as long as your stack's okay (even if your body dies). On the other hand, if your stack gets destroyed, then your fate will be "real death" (RD).

However, if that would happen in real life that would be scary …a bit at least…. In fact, you're not truly yourself…of course you have your conscience but bodies are also important. It should take time to adapt so I don't know about those). Also, there will be a time for adaptation in terms of gender (which brings back to the current issues of today's society). Indeed, in this series there's no more "proper gender"… at least you can switch. It's very futuristic (a woman can perfectly end up in a man's body and vice versa).


As we speak of the future, I think it is well represented. The design and graphism are outstanding: virtual boards, phones in the eye, smart bracelets, iron arms with extraordinary force, etc. Surgery is an entire new thing as well. It's expensive (quite like today in certain countries where only the very rich can have the very best of treatments) but it has known such a progress. It goes the same with technology. There are flying cars, the bombs end up having electric shields, bigger amplitude, etc.

Also, there are new activities and services. I'm not gonna enumerate all of them but only the one that talked to me: the Raven Hotel. See I study tourism and it was very interesting to see an AI (Artificial Intelligence) owning the place, "being" the hotel and being a "possessive" hotel. By possessive I mean they're protecting their customers at all cost (guns in the ceiling, watching everybody's moves quite like a raven). If we think about it it could be possible actually, technically speaking, to put that in place but of course, I'm not sure tourism is going this way at the moment ;) 


To conclude I would say that even if it's the future, the show reflects on what's happening at the moment in today's world. There are lots of problems concerning gender identity, the poor and the very rich...

However, in the end, things get complicated because of course Kovacs's sleeve isn't just a sleeve: it's Elias Ryker's sleeve who was Ortega's boyfriend and partner in the police (suspended for about 200 years). It's when we found this information that we start making connections and learn how everything's linked between Ryker's case, Bancroft's murder, the Ghostwalker, etc.  Obviously, Kovacs and Ortega relationship is hard to define. 

Like I mentioned previously, a second season is already planned, although Joel Kinnaman said he wasn't sure to be back so that would mean Kovacs is back into his old skin (or another one perhaps?). Anyway, I loved the interpretation of both actors (the main ones): Joel Kinnaman and Will Yun Lee even if sometimes I felt quite torn between the two...like if they were completely different actors.


16 mai 2017

Hacksaw Ridge (Tu ne tueras point) : critique






          Hacksaw Ridge (en français "Tu ne tueras point") m'a bouleversé. Aux commandes de ce film de guerre Mel Gibson. Un très grand Mel Gibson. Il nous livre là un film grandiose (basée sur une histoire vraie), tant sur le fond que sur la forme, avec un excellentissime cast, dont Andrew Garfield, en tête d'affiche, qui est saisissant.


          Mai 1945. Seconde guerre mondiale. Nous suivons l'histoire de Desmond T. Doss (Andrew Garfield). Il s'agit d'un jeune homme proche de sa mère et très protecteur envers elle à cause, notamment, d'un père alcoolique et violent avec qui il entretient une relation quelque peu conflictuelle. Il décide, par la suite, de s'engager dans l'armée et part combattre les japonais dans le Pacifique. 

Il est le premier objecteur de conscience à avoir été décoré pour ses actions au combat. Objecteur de conscience signifie que Desmond a une foi très forte. Il agit en fonction de ses croyances. Il suit les préceptes et les écrits de la Bible dont un commandement en particulier "Tu ne tueras point". Ainsi, Desmond refuse de trahir sa parole envers Dieu et refuse de porter une arme, voire même de toucher (littéralement) un fusil. Il ne va, d'ailleurs, nul part sans sa bible, offerte par sa femme Dorothy (interprétée par Teresa Palmer). S'il s'est engagé ce n'est pas pour prendre des vies mais pour en sauver. Son rêve de gosse, qui était de devenir docteur, ne l'a jamais quitté et il veut devenir infirmier. 

Au départ, son arrivée dans l'infanterie n'est pas au beau fixe. De par ses croyances la majorité des soldats, en particulier un certain Ryker (Luke Bracey), le tyrannise ou du moins essaient de l'intimider. Même les chefs d'armée, joués par Sam Worthington et Vince Vaughn, souhaitent son départ. Ils vont d'ailleurs essayer par tous les moyens de le faire partir, de le dissuader de rester mais rien n'y fait et Doss s'accroche.

Il est clair que personne ne croit en lui. Tout le monde pense que cette "brindille" ne survivra pas sans arme une fois au front. Cependant, et malgré, un court séjour en prison pour son refus d'obéissance et quelques démêlés avec la cour martiale, Desmond est enfin autorisé à partir avec son infanterie en tant qu'infirmier.


           C'est à partir de ce moment que nous voyons vraiment le changement d'ambiance, de contexte. Nous perçevons à la perfection les changements de comportements et d'attitudes des soldats. Il y a l'avant et le pendant de la guerre. En effet, au début l'ambiance est assez bon enfant. Les soldats rient, blaguent... et puis nous commençons à sentir la tension de la guerre gagner les rangs petit à petit, et ce, jusqu'à l'instant où ils se retrouvent face aux corps déchiquetés des soldats qu'ils sont censés remplacer, où là la terreur les gagne officiellement.

L'atmosphère, devient grave, pesante. Nous sentons la peur s'installer. L'armée américaine tente inlassablement, après six tentatives infructueuses, de prendre la crête de Hacksaw Ridge, qui est tenue par les japonais. 

Or, comble de l'ironie, c'est justement la foi de Doss qui va les aider à s'en sortir.


           La première journée est un carnage. La situation, durant la deuxième, ne s'améliore pas. Au point qu'ils passent la nuit dans des trous d'obus au beau milieu de ce "no man's land". Au petit matin les japonais attaquent de nouveau toujours plus nombreux. Il y a des morts de partout, de nouveaux blessés.

Seulement voilà ; au moment où les américains battent en retraite et redescendent de la falaise, Desmond, lui, anéanti par la mort de son camarade Ryker, reste et décide d'aller rechercher les blessés. Toute la nuit, il va lutter pour aller récupérer des soldats et sauver des vies, et ce, à la barbe des japonais, toujours présents sur le terrain en train d'essayer de tuer les derniers survivants. En plus, pendant cette séquence, nous voyons bien que Desmond n'a vraiment aucune notion de la guerre en elle-même. Ce que je veux dire c'est qu'il n'a pas la même mentalité que les autres. Il est différent. Ainsi, il va aider un japonais blessé tout naturellement car selon la Bible "il faut aider son prochain".


         Au premier abord, il est vrai que nous pourrions croire que cela va être encore un énième film de guerre avec d'un côté les gentils et de l'autre les méchants. Or, ce film, derrière le message de guerre va plus loin et délivre d'autres messages encore plus importants. Ce long-métrage insiste sur le fait d'être soi-même, de ne pas avoir honte de montrer qui nous sommes. C'est à propos de la volonté, présent en chacun de nous, de la loyauté que l'on porte à nos convictions. Desmond, a montré un mental d'acier, une force surhumaine.  "Reste fidèle à ce que tu es et tu réussiras"...le message va assez dans ce sens là. Notons également que Desmond a sans doute voulu prouver à ceux qui ne croyaient pas en lui, à ses camarades, à ses supérieurs, à son père qu'il en était capable. Cela, va au-delà du simple surpassement de soi. Desmond voulait sauver des vies et c'est justement ce qu'il fait.

Après ce miracle, et cette nuit intense, tout le monde se rend compte de leur erreur. Ils portent désormais sur Doss un regard bienveillant, salutaire, respecteux. Ce respect il l'a gagné. Du coup, le lendemain au moment de revenir se battre, les soldats vont attendre que Desmond finisse de prier pour eux avant d'y aller. Et, visiblement, croire fonctionne puisqu'ils remportent cette bataille.


           Ce qui est fou dans ce film, ce qui est captivant, est le travail de réalisation. Le réalisme est ahurissant et poignant de vérité. Nous sommes immergés. Sur certaines séquences nous oublions complètement le monde extérieur. Nous sommes avec eux sur le champ de bataille. Nous arrêtons de respirer, on halète, on lâche des soupirs de soulagement, nous nous contractons de peur, nous sursautons... Les sensations et émotions ressenties sont incroyables et démultipliées. La joie, la peur, la tristesse...nous sommes assaillis par ce cocktail de sentiments. Il est même impossible de ne pas pleurer au moins une fois dans ce film. Par exemple, et j'ai même été surprise de moi-même, mais la scène où Ryker meurt, seulement quelques heures après s'être rapproché de Desmond, m'a beaucoup ému. D'ailleurs, à la fin, Doss, même après tout ce qu'il a fait cette nuit là, ne l'oublie pas et récupère son corps. Rien qu'à écrire ces mots j'en frissonne encore.


            Aussi, je tiens réellement à mentionner le talent d'Andrew Garfield. Il explose à l'écran, il est époustoufflant. Il est majestueux et sa prestation est touchante, vraie, crédible. Il y a même quelques surprises telles que Luke Bracey et Vince Vaughn qui nous avaient habitué, parfois, à des rôles plus légers (en tout cas pour le peu que j'ai vu où ils étaient présents au casting). 


            Enfin, le film se termine sur des photos, vidéos de la vraie vie de Desmond T. Doss avec en prime des témoignages touchants des proches ou de l'homme lui-même. La bande son, quant à elle, est juste remarquable et les musiques élèvent encore davantage ce petit bijou du septième art.



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22 mars 2017

Sing Street : review



I only discovered this movie last week and what a discovery! I officially integrated the club of people who are wondering why this terrific movie hasn't been nominated in any (musical) category at the Oscars.


The story takes place in Ireland in the 80s, period where new bands were super hype and famous such as Gold, Duran Duran, The Cure... A young teenager, Conor aka Cosmo, played by Ferdia Walsh-Peelo starts a rock band in order to seduce a beautiful girl, a "model" called Raphina. Despite being bullied a little bit the band - composed by 5 other guys : Eamon, Darren, Ngig, Larry and Garry - encounters quite a success. Everyone has a special talent. There's a multi intrumentist and a writer, a funny manager, the only black of the school... well, they don't despair and keep going creating new songs, singing, performing.

The songs played in the movie are amazing, very entertaining, lively. We even get the chance to hear the amazing voice of Adam Levine on the title "Go Now". The playlist is truly superb.

Everything in this movie deserves more recognition : songs, clothes, atmosphere, dialogues.

Here's the trailer and the "official song" :




Thi movie is about finding his place, pursuing his dreams, never giving up, being strong, tolerant, respectful, a little bit adventurous and brave. The thing is you have to dare doing stuff. If you dont you're not gonna move and you'll stay at the same place forever. This is why the big brother was so happy at the end of the movie. His little brother had the courage to leave everything behind him unlike him who stayed with the parents.

I loved it because it put you in an incredible mood. You're smiling, you're happy and you can't stop singing (at least that's my case).

It was better than some of the musical movies I've seen because it has a soul. And truly that's the secret of a movie : soul, fire, heartful.


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22 décembre 2016

Jackie & Ryan : review

                     The other day I was watching Narnia again on TV, the second opus and I saw Ben Barnes. I already liked him a lot at that time. It reminded me as well of the time he played Dorian Gray and there, I totally fell in love him with him. So when I learnt he was starring in this musical drama movie "Jackie & Ryan" I got intrigued. I read the synopsis and thought "OK cool, this is going to be a nice little movie, entertaining but nothing more". To be honest, I thought it would be the kind of film you can watch while doing something else. But here's the thing: I was wrong. Once I started it I just could'nt stop staring at my screen. For me, Ben Barnes has been a revelation! I didn't even know he could sing! OMG! Sign him please and make him record and release an album of his own songs straight away! He has an amazing voice, deep and cracked.




                     It's quite funny because Ben, who plays Ryan, is British so I guess he worked a little more on his accent so it can sound a little bit more as an American one and it's pretty convincing. Ryan, he's a traveller, a wanderer carrying his guitar everywhere and singing in different places where the route leads him. So when he meets Jackie (Katherine Heigl) who encounters some issues he decide to stay with her and her daughter for a little while. We can say the story eventually ends up being about life, love, music, adventure, freedom and roots. Furthermore, I really enjoyed the relationship between Ryan and Lia (Jackie's daughter). He's great with kids. But I think his story as well as Cowboy's could have been more deepened and detailed. We don't know much and that's kind of frustrating. 

                      Let's talk about his partner in the movie, Katherine Heigl. Unlike him, she's not a singer so we only hear her a couple of times. To be honest, it could have been another story, not neccesarily the one of a single mum, former country singer who had to go back to her own mum after a divorce. Jackie wasn't very "useful". It's strange because on the other hand she was important because she represented the "home" factor for Ryan who after running away from his house at 16, and jumping from place to place, actually find the place he can call home. It goes the same with the ex-husband. We're losing time in the movie by seeing him and hearing about him so often for, let's be honest, nothing.

                       Finally, the movie made me think of the songs from Alabama Monroe. It's the same register and atmosphere. Of course, we can't compare the two because Alabama Monroe is a masterpiece.


So, go buy the soundtrack, it's fabulous and take the time to watch it! You'll like independent movies even more afterwards.


18 mai 2016

Mommy : la critique




               Ce film, sorti en 2014, a été réalisé par Xavier Dolan, un jeune homme brillant et plus que prometteur.

Le film suit l'histoire d'une mère, Diane, et de son fils, hyperactif et violent, qui essaient jour après jour de vivre ensemble tout simplement et de surmonter les obstacles entreposés sur leur chemin.

Xavier Dolan nous dépeint, ici, une relation exceptionnelle, un amour inconditionnel et fusionnel entre deux personnes. Diane reprend son fils, Steve, après que celui-ci ait rencontré des démêlés avec la justice. Elle ne souhaite pas le voir en prison et prend donc la responsabilité de continuer à veiller sur lui du mieux qu'elle peut tout en essayant de joindre les deux bouts. Elle veut le sauver mais peut-il l'être ? Toute la question repose en ces mots : peut-on sauver la personne qu'on aime le plus au monde ? Il s'agit du thème principal de ce long métrage.



               Très vite on s'aperçoit qu'en plus d'être hyperactif, Steve est agressif, violent et se laisse très vite emporter par ses émotions. C'est d'ailleurs lors d'une de ses crises, qu'entre en scène Kyla, la nouvelle voisine. Elle va être de plus en plus présente dans leur vie et à eux trois forment en quelque sorte une petite famille. Kyla souffre elle aussi d'un problème assez handicapant au quotidien. Depuis bientôt deux ans, elle éprouve des difficultés à s'exprimer. Sa personnalité est très touchante et on s'attache rapidement à elle.

Au contact de cette famille et aidée par cette dernière, elle va vivre comme une sorte de thérapie. Un peu plus tard, nous prenons connaissance qu'elle avait un fils, présumé mort puisqu'il n'apparaît jamais, qui ressemble étrangement à Steve. Mêmes yeux, même couleur de cheveux, etc. Cela expliquerait cet attachement soudain pour l'adolescent. Kyla voit en Steve le fils qu'elle n'a jamais eu la chance de voir grandir. Cette relation ambigüe est parfaitement représentée par cette scène très symbolique où l'on voit Kyla et Steve au milieu de la route avec, pour seule séparation, la ligne de marquage. Deux mondes s'opposent, lui et sa mère d'un côté et la famille de Kyla de l'autre. Lui, souhaite qu'elle reste et au fond Kyla aussi, ce qu'elle va faire d'ailleurs.



               Pour en revenir à Steve de manière plus approfondie, nous constatons, comme mentionné précédemment, que c'est un jeune homme violent, agressif par moments, qui ne tient pas en place et qui dit tout ce qu'il lui passe par la tête. Il arrive à nous faire rire à force d'utiliser à tout bout de champ les mots "fucking" et "tabernacle". Steve a un côté humoristique et le film joue beaucoup sur ça. Nous rions autant que nous pleurons. De plus, derrière cette carapace qu'il s'est forgé au fil des années, nous aperçevons que le jeune homme cache un côté très sensible, à fleur de peau. Nous le voyons notamment lorsque qu'il craint que sa mère ne l'aime plus assez voire plus du tout, après cette scène où Diane paraît désemparée, ne sait plus quoi faire, voulant faire un break, et qu'il décide de se suicider. Situation identique lorsqu'il souhaite chanter une chanson au cours d'un karaoké dans un bar et qu'il se fait humilier par les gens qui se moquent et qui ne se rendent absolument pas compte qu'ils sont en train de le blesser au plus profond de lui-même. Durant cette scène, la tension est palpable, on sent que la situation va déraper et c'est le cas puisque Steve se jette sur l'un de ses "persécuteurs" et l'agresse. 

Pour en revenir à cette tentative de suicide, le plan séquence qui suit est très bien réalisé. Il est intéressant de voir comment ce silence, vers la fin de la scène dans l'ambulance, a un impact émotionnel fort. Dans l'ambulance nous avons suivi cette course symbolisant les obstacles sur leur chemin, les étapes de leur vie et le soutien indéfaillible de "deux mères". Et là, ce silence arrive. C'est l'apothéose, le paroxysme de cet ascenseur émotionnel qu'on vient de subir. Notre coeur s'arrête en même temps tellement nous sommes happés par cette atmosphère particulière.

Très proche de sa mère, il veut la protéger. C'est comme s'il voulait endosser le rôle de l'homme de la maisonnée et tout faire pour que sa mère soit heureuse. Il éloigne les dangers ; l'homme qui court après sa mère depuis longtemps en fait d'ailleurs l'expérience. Aussi, cette image de "responsabilité", de protection vient du fait que son père n'est plus là pour le faire. On voit souvent cette scène du placard où sont entreposés les vêtements de son père. Il lui arrive de les porter et ce fameux placard représente d'une certaine manière l'ombre omniprésente du père qui père sur la famille en silence ou alors qui pourrait s'apparenter davantage à une quête d'identité de la part de Steve.



               Son monde était étriqué, fermé, oppressant mais avec ces deux femmes à ses côtés il retrouve l'envie de rire et de vivre tout simplement. Il y a un message d'espoir montrant que le bonheur est à portée de main. D'un coup cette liberté explose à l'écran au moment où celui-ci, le format dans lequel est tourné le film s'élargit. Steve étend son champ de vision et perçoit, insconsciemment, les nouvelles possibilités et opportunités qui s'offrent à lui. C'est comme un nouveau souffle. Il est simplement heureux et c'est un bonheur à l'état pur dont il est question. Par ailleurs, accompagnée de la musique cette scène à son petit effet.

Il est vrai que le fait que Dolan joue avec le format vidéo, restreint puis ouvert aux moments des tensions, est très intelligent. Cela procure au film une tout autre dimension et crée une atmosphère spéciale. Aux moments de doutes, de peur, d'agitation l'écran étant minimisé il se crée une bulle dans laquelle nous sommes plongés entièrement. Et quand il faut en sortir, nous ne le faisons pas indemnes.



               Le film se poursuit avec des passages saississants. Et ce, notamment quand la mère de Steve rêve d'une vie "normale", c'est-à-dire la remise des diplômes, un mariage, des enfants, etc, pour son fils. On perçoit la fierté d'une mère, des instants de joie, le sentiment d'avoir battue la vie à son propre jeu et d'avoir surmonté tous les obstacles qui étaient face à eux. Cependant, la scène s'évapore soudainement et la réalité revient à grands pas. Diane, en effet, savait où elle allait et où elle emmenait son fils tandis que l'intéressé et Kyla n'en avaient pas la moindre idée. Elle savait qu'elle l'abandonnait et le conduisait au seul endroit  où elle refusait de le laisser jusqu'à maintenant: en hôpital psychiatrique. Cette partie est vraiment déchirante et vous brise le coeur. Depuis le croisement sur la route où elle a tourné on sent que quelque chose ne va pas. La métaphore du tournant, cette fameuse croisée des chemins, le tournant qui fait tout basculer, la séparation entre le passé et l'avenir, la vie de joie et parfois de souffrance qu'ils ont vécu jusqu'ici et la séparation tout simplement d'une mère et d'un fils, etc ; tous ces éléments sont présents ici. Biensûr nous ne sommes pas épargnés par les cris et la douleur. Kyla est très émouvante dans cette scène. Elle se tient la tête, elle est en larmes, à l'image d'un hurlement resté bloqué à l'intérieur de soi. C'est comme si c'était son propre fils qui lui était arraché une fois encore, comme si c'était lui qu'on avait enfermé. Diane, aussi, se rend vite compte de l'épreuve qu'elle inflige à son fils et à elle-même d'un certain côté. Elle est effondrée. Nous pouvons, en toute honnêteté, comprendre son choix. Elle le fait pour son fils, pour son bien. Nous avons devant nous la représentation de ce qu'une mère, par amour pour son enfant doit faire, prendre des décisions dures et ce, malgré les conséquences, le mal et le déchirement que cela peut engendrer.

Enfin, le film se clotûre avec le départ de Kyla, qui déménage et Diane qui se retrouve donc seule. De même que la dernière séquence est poignante. On voit Steve se libérer et s'échapper des mains du personnel de l'hôpital puis courir dans le couloir droit vers la fenêtre sur fond de Lana Del Rey avec "Born To Die"; la musique est-elle ici une part d'explication ? 



               L'oeuvre de Xavier Dolan donne également la place aux femmes, leur donne la parole. Les relations humaines sont au centre mais également l'individu seul, l'individu en lui-même avec ses côtés sombres. Aussi, l'accent, québécois, aide à accentuer l'authenticité. Enfin, l'acteur, Antoine Olivier Pilon est à surveiller de près. C'est un jeune homme très talentueux qui livre une très grande performance.

La bande son est exceptionnelle et s'intègre à la perfection au film. On entend du Céline Dion, du classique en passant par Dido, Oasis ou encore The Counting Crows. La musique a elle seule est même parfois un dialogue nous aidant à voir plus clair et qui nous délivre des informations nous faisant comprendre la situation par moment d'un autre point de vue et voir au-delà. La musique a été utilisé de manière intelligente.

Bref, ce film est vibrant, boulversant et ne laisse pas indifférent. C'est un petit bijou du septième art.



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24 février 2016

Deadpool : critique

Affiches de Films ou Séries (Divers)2


Tout d'abord commençons par l'évidence : Ryan Reynolds est né pour ce rôle. En effet, il délivre une performance parfaite et interprète avec brio le personnage de Wade Wilson, célèbre personnage des comics Marvel.

Issu de Marvel certes, mais totalement différents des autres héros issus de cette franchise. En effet, le film change des autres Marvels où être un héros est la chose la plus essentielle. Ce sont généralment des films très manichéens, toujours divisés entre le bien et le mal. Or, ici, c'est plutôt le contraire, certes ce n'est pas le pire "méchant" que l'histoire ait connu mais ce n'est pas non plus un héros. Comme il le dit si bien lui-même "I'm a bad guy chasing other bad guys" ("Je suis un méchant chassant d'autres méchants"). Wade Wilson est tout simplement un antihéros.

Après avoir été diagnostiqué avec un cancer en phase terminale, Wade accepte de participer à un programme qui va pouvoir le guérir. Or, son "médecin", Ajax (interprété par Ed Skrein, vu dans Game Of Thrones), va mener sur lui diverses expériences. Sur Wilson, l'effet sera plutôt dévastateur et spectaculaire étant donné qu'il va se retrouver avec la peau brûlée, la capacité de guérir de tout, c'est-à-dire, se prendre des balles sans aucun dommage, impossibilité de mourir (du moins pas dans l'immédiat en tout cas) ; il peut se régénérer. Par conséquent, après s'être sauvé et transformé en Deadpool il va se mettre à la recherche de ce Ajax (Francis) pour qu'il lui rende son apparence d'avant, tuant, littéralement, tout sur son passage.



C'est un excellent film, et ce, du générique de début jusqu'à la scène post end-credits. Le générique est très agréable à regarder car nous n'avons pas les vrais noms des acteurs ou de l'équipe. On va pouvoir alors regarder des choses telles que "a British vilain" ("un méchant britannique), "written by the real heroes here" ("écrit par les véritables héros ici"). Il en va de même avec pleins d'éléments dans le film qui font références au passé, ou à d'autres acteurs notamment à Ryan Reynolds en personne de Green Lantern (une fois dans le générique avec sa photo et l'histoire du costume vert) ou encore à Spiderman. Bref, si vous voulez en savoir davantage, n'hésitez pas à jeter un oeil sur ce site.

Enfin, la scène post end-credits introduit le personnage de comic, Cable, qui peut ainsi laisser présager une suite à ce premier opus plus que prometteur (normalement sortie prévue en 2017).



Biensûr, ne vous attendez pas à des discours très recherché. Le langage est fort, cru, direct, sans finesse (sauf celle de l'esprit) mais c'est cela qui procure au film cette dimension humoristique. On rigole quasiment tout le temps. Ce Marvel est également violent, sanglant et inappropriement marrant.

Ce qui est bien avec ce personnage justement c'est son humour noir vif et tranchant. C'est vraiment drôle voir même hilarant. Le film est très drôle et les blagues sont très bien pensées. De même que Deadpool s'adresse parfois à nous, spectateurs, ce qui ajoute encore une dimension supplémentaire au film.


Enfin, la bande son est vraiment très bien. On retrouve des musiques telles que :



Je pense que ce film peut-être perçu de diverses manières, comme une relation love/hate. En fait, soit on l'adore, soit on le déteste. Pour moi, c'est définitivement la première option mais par exemple, une de mes amies, n'a absolument pas aimé et n'a pas été sensible à l'humour de Deadpool, ce que, avouons-le, je ne comprends pas !

Comme vous l'aurez donc compris, il ne vous reste plus qu'une chose à faire : acheter vos billets ! 


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14 février 2016

The Revenant : critique

Attention spoilers !

the revenant


Entre contemplation, observation, frissons, émotions, sensations et admiration.


   "The Revenant", sorti au cinéma le 15 janvier dernier (en Grande-Bretagne), est un film du réalisateur mexicain Alejandro González Iñárritu, notamment connu pour avoir dirigé"Babel""Birdman" ou encore "Biutiful". Il signe, ici, une de ses plus belles oeuvres.

                      Le film relate l'histoire vraie de l'aventurier et trappeur Hugh Glass, abandonné et laissé pour mort par ses camarades lors d'une expédition le menant à l'Ouest des Etats-Unis d'Amérique en 1823. Au-delà de la souffrance et des épreuves sur son chemin, il va tout faire pour survivre et se venger de celui qui lui a ôté, pourrait-on même dire arraché, toutes ses raisons de vivre.



                      La première scène d'ouverture met en scène une rivière. Nous sommes plongés dès lors dans un état de plénitude, de zénitude, de calme, de douceur rappelant une vague mélancholie ainsi que le silence durant l'observation.

                      Soudain, la force de la rivière devient plus forte. Un certain tumulte se fait ressentir, tel le bruit d'un combat, d'une tempête qui se laisserait entendre. Les ondulations de l'eau font penser à un écho intérieur, au sang bouillonnant dans les veines, à l'agitation du moment ou tout simplement à la vie qui prend forme sous nos yeux et nous remémorant le temps qui court.

                      Enfin, le cadre s'élargit et nous constatons que nous nous trouvons dans un marécage. L'eau nous entoure, elle est partout, ruisselante et se séparant à divers endroits et prenant ainsi des chemins opposés. Ces séparations laissent penser aux choix de directions quand nous devons faire un choix : l' un pouvant mener à la mort, à la tristesse tandis que l'autre conduirait à la survie, à une revanche sur la vie, un succès, etc. 

                      En fait, ces premières minutes pourraient à elles seules expliquer tout l'atmosphère du film si nous leur prêtons une attention toute particulière.



                      Une des nombreuses choses à retenir du film est bien sûr les prestations exceptionnelles de Leonardo Dicaprio et Tom Hardy (nommés tout deux aux Oscars, respectivement dans la catégorie Meilleur acteur et Meilleur Acteur dans un second rôle, qui se dérouleront le 28 février prochain à Los Angeles).

                      Tout d'abord commençons par parler de Tom Hardy (John Fitzgerald). Et dire qu'il ne devait pas jouer ce rôle en premier lieu puisqu'il était présent dans le casting de Suicide Squad. On peut dire qu'il a du nez pour sentir les très bons rôles. Son interprétation est une des plus crédibles de tout le cast. Il campe le rôle du méchant mais son jeu d'acteur est tout en finesse, il n'y a pas de surplus, d'éxagération. Il a su conserver le naturel du personnage et ne l'a pas transformé en quelqu'un d'encore plus méprisable qu'il ne l'est vraiment.

                       Aussi, comment ne pas s'attarder sur la performance de Leonardo DiCaprio qui est spectaculaire dans ce rôle de trappeur survivant et qui dépasse toute espérance. Combattant l'ensemble des maux que cette terre puisse lui infliger, combattant la douleur, le froid, la soif, la faim mais également souffrant de troubles plus psychologiques : la mort de ses proches, la tristesse, l'espoir, la revanche, la colère...il va devoir trouver sa force intérieure et poursuivre son chemin, avancer tout simplement. Toutes ces émotions sont un mélange et peuvent rendre le spectateur plûtot confus mais grâce à cette interprétation sans faute chacune arrive à se distinguer dans le jeu d'acteur de Leonardo ce qui est assez incroyable. Donc, si cette année Leo ne reçoit pas L'Oscar, nous pouvons nous interroger sérieusement sur ce que l'Académie recherche.

                 Je m'attarde sur ces deux acteurs mais il est évident que les autres acteurs tels que Domhnall Gleeson, Will Poulter... sont également excellents dans leurs rôles respectifs.



                      Les plans séquences sont superbes nous dévoilant des paysages à couper le souffle. Une partie a d'ailleurs été tournée au Canada où les températures pouvaient parfois descendre à - 40°C. Toute l'équipe du film pourra vous dire que le tournage s'est fait dans des conditions très difficiles. En plus des paysages, la bande son est excellente et accompagne à la perfection tant les scènes de cauchemars que des scènes plus réjouissantes ou du moins, moins dures à regarder. Les décors sont très biens réalisés, ainsi que les costumes et il en va de même pour les effets spéciaux auxquels il n'y a rien à redire.


                          Bien sûr, le film reste violent et certaines scènes sont parfois difficiles à regarder de part le sang ou simplement l'horreur qui s'en détache. Je pense principalement à cette scène où l'ours attaque Hugh Glass. Iñárritu a réussi à inclure le spectateur dans la scène. C'est presque comme si nous étions nous mêmes en train de nous faire charger, assaillir. La tension est palpable. Nous avons peur. De plus, aucun détail n'est épargné tel que le son des os se brisant ou les cris de douleur plus forts de secondes en secondes. 

                      Cependant, il n'y a pas que cette sensation de frissons et d'angoisse constante. Une émotion plus profonde se dégage du film. Par exemple, la scène à propos de la mort de son fils était très touchnate et je pense que certains ont eu la larme à l'oeil. Même la performance, seule, de Leonardo DiCaprio arrive à nous émouvoir. Certes, les dialoges ne sont pas très présents mais c'est ce qui fait toute la beauté de ce long métrage. On ressent les choses plus profondément et on arrive dans certaines scènes à retrouver une certaine pureté d'âme et un sentiment de "satisfaction". De plus, quand on sait qu'il s'agit d'une histoire vraie, on ne peut que compatir à la douleur de l'homme et en même temps être admiratif devant tant de bravoure, de courage et de volonté.



                     De surcroît, comme Léonardo l'avait mentionné lors de son discours de victoire aux Golden Globes, qui se sont déroulés plus tôt cette année, le film montre aussi en grande partie les relations entre les natifs d'Amérique, les autochtones, les Indiens, et les hommes venus colonisés ces terres pour la plupart vides et dépeuplées. Fine est d'ailleurs la frontière entre respect et haine. Il s'agit d'un pays aux coutumes différentes où seule l'adaptation permet de survivre. Les scènes sont très réalistes qui plus est. L'utilisation de la langue des natifs ajoute une dimension supplémentaire au film qui se verrait alors plus faire la promotion d'une comunauté, nous irions davantage vers un point de vue plus philanthropique et altruiste. 


                        Pour conclure, je dirai que c'est de loin un des meilleurs films de ces dernières années et qu'il mérite amplement de la reconnaissance tant pour le fond que la forme ainsi que pour les idées qu'il défend. 


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25 janvier 2016

Critiques de films

Affiches de Films ou Séries (Divers)1



Agents Très Spéciaux : Code U.N.C.L.E


 ==> 4/5

Un film d'action au scénario bien ficellé et des pointes d'humours sans en faire trop : un cocktail bien dosé pour le plaisir des spectateurs. Henry Cavill ainsi qu'Armie Hammer sont tout à fait convaincants en tant qu'agents britannique et russe. Dans la même lignée que le film Kingsman vous passerez un excellent moment de divertisement. 


A la Poursuite de Demain (Tomorrowland)


==> 2/5

En toute honnêteté je m'attendais à quelque chose de beaucoup plus aboutit. Après des semaines de promo, de publicités en tous genres, l'équipe du film a réussi à attiser notre curiosité mais voilà ça ne prend pas et on trouve le temps long. Scénario approximatif, effets spéciaux pauvres en qualité, concept incomplet, etc. Je n'ai tout simplement pas accroché. Le film aurait pu être mieux et avec un peu plus de recherche aurait même pu cibler une audience davantage plus conséquente et plus large.


We Are Your Friends


==> 4/5

Dix ans après High School Musical on retrouve l'acteur Zac Efron dans la peau, non pas d'un chanteur, mais d'un DJ. Cherchant à se faire une place dans ce monde difficile d'accès, il va demander de l'aide à James, un DJ à succès, et en profite pour tomber amoureux de sa petite amie. Cependant, l'histoire d'amour n'est pas au centre du film et se concentre essentiellement sur comment se faire une place dans le monde de la musique. Sexe, drogues, excès, passion...tout se mélange pour offrir au spectateur un bon divertissement.


La Face Cachée de Margo


==> 2/5

Après avoir entendu maintes éloges sur ce film ainsi qu'après le film à succès "Nos Étoiles Contraires" je m'attendais à beaucoup mieux et à quelque chose de beaucoup plus recherché. N'ayant pas lu le livre, j'avouerai que le film ne nous montre pas assez les sentiments intérieurs des personnages. Nous sommes spectateurs donc avec une vision extérieure et il est vrai que certaines scènes nous laissent dubitatifs. De plus, l'histoire ne m'a pas beaucoup attirée, plue, du moins, pas comme je l'espérais. Margo a beau être une jeune femme mystérieuse au final je trouve que c'est un personnage terne, vide et qui manque de rondeur, tout comme le scénario dont la profondeur était loin d'être au rendez-vous.


Southpaw (La Rage au Ventre)


==> 4/5

Agréable surprise ! J'avais beaucoup aimé la bande annonce et je ne suis pas déçue d'avoir vu le film. Jake Gyllenhaal est stupéfiant dans ce long métrage pour lequel il a pris beaucoup de musculature et a, ainsi, réussi à obtenir un corps bodybuildé digne des plus grands catcheurs. Les émotions sont là, le drama également et les scènes de combat sont très bien réalisées. 


Before We Go


 ==> 5/5

Chris Evans, connu pour ses rôles allant des 4 Fantastiques en passant par Avengers aka Captain America, signe ici un très bon film, son tout premier. L'histoire se déroule sur une nuit entière, où deux inconnus, Nick et Brooke, déambulent dans les rues de New York, discutant de leurs problèmes respectifs et de leurs attentes pour le futur. Il est fou d'imaginer à quel point un moment de hasard peut rassembler deux personnes sur la même longueur d'ondes. Ce film nous pousse à faire une retrospective sur nous mêmes et à se poser des questions auxquelles on n'aurait pas forcément pensé au premier abord. Enfin, le film mêle émotions, rires, joies éphémères, amertume, tristesse...Bref, j'ai passé un excellent moment.


Mémoires de Jeunesse (Testament of Youth)


==> 5/5

Adapté du livre de Vera Brittain publié en 1933, ce film est une grande réussite. On s'attache aux différents personnages, on voit ce qu'était la guerre à travers leurs yeux et on a peur pour eux. Peu de film arrive à nous captiver de cette manière. On vibre pour les personnages que ce soit tant au niveau de la peur, de la colère qu'au niveau de la profonde tristesse. On suit essentiellement la vie de Vera (puisqu'il s'agit d'une oeuvre autobiographique), interprétée par la très talentueuse Alicia Vikander (vu également dans Agents Très Spéciaux : Code U.N.C.L.E), qui rêvant d'étudier à Oxford voit sa vie basculé par la guerre et qui décide; alors, de devenir infirmière.




==> 5/5

Film magnifique aux paysages sublimes qui vous transporte en plein Alaska. Mackenzie, une jeune adolescente qui doit aller vivre un temps chez son oncle, décide de suivre un homme d'une cinquantaine d'années répondant au nom de Rene. Mackenzie qui connait une situation familiale compliquée trouve en cet homme du réconfort, de la sécurité et leur relation devient vite très touchante, émouvante. Dommage que le film ne soit pas aussi connu car il le mériterait. 


The Rewrite


==> 3/5

Nouvelle comédie pour Hugh Grant qui cette fois se met dans la peau d'un scénariste raté et fauché qui n'arrive à rien écrire de promettant depuis son immense dernier succès quelques années auparavant. Il va alors accepter de devenir professeur dans une université afin d'enseigner à de jeunes gens comment écrire l'histoire parfaite. Aussi, il rencontrera sur les bancs de la fac une mère d'une quarantaine d'année accumulant deux jobs à la fois et qui n'est autre que son élève. Elle va lui permettre de redonner un sens à sa vie et d'envisager de passer à autre chose dans sa carrière professionnel. Bref, film gentil, sans grand intérêt et dont le jeu d'acteur est un peu mou. C'est dommage car le film partait d'une bonne intention.


The Duff


==> 4/5

The Duff raconte l'histoire de Bianca qui se rend compte qu'elle est une DUFF, c'est-à-dire, une "Designated Ugly Fat Friend". Certes, ça reste un film pour adolescent. La morale de l'histoire s'avère que nous sommes tous les Duff de quelqu'un. Cependant, l'histoire est bien contruite et le scénario est cohérent. Les acteurs sont bons dans ce qu'ils font et vous garantissent ainsi de passer un bon moment.


The Riot Club


==> 3/5

Si votre rêve est d'un jour d'intégrer un club pour riches enfants pourris gâtés issus d'une fac de renommée mondiale, en l'occurence Oxford ici,  alors ce film est pour vous. Non, plus sérieusement l'histoire de base raconte comment un jeune homme prénommé Miles, interprété par Max Irons, va se retrouver transporté dans des événements qui le dépassent. Au départ l'ambiance est bon enfant mais les choses dégénèrent très vite et leurs actions deviennent de plus en plus agressives, violentes et davantage proche de la débauche que de la classe dont ils devraient faire preuve vu leur rang social. Les autres membres du club, respectivement joués par Douglas Booth, Sam Clalfin, Sam Reid et bien d'autres se croient permis de tout, vivent dans l'excès et ne respectent quasiment rien. Miles va s'en aperçevoir mais un peu trop tard...

Le film est très bien réalisé et nous sommes parfois outrés de voir à quel point les choses s'enlisent et choqués par la proportion que prennent leurs actions. 


Naomi and Ely's No Kiss List


==> 4/5

Film très intéressant sur l'amitié fille-garçon porté par les acteurs Victoria Justice et Pierson Fode dont l'alchimie crève l'écran. Ils forment un très bon duo et on se laisse emporter par l'histoire de ces deux jeunes personnes. Il s'agir de découvrir les limites de l'amitié, l'ambiguité qui peut survenir au bout d'un certain temps. C'est à propos de la réciprocité des sentiments et du mal que peut provoquer certaines actions quand nous sommes jeunes. 


Les enquêtes du département V : Miséricorde


==> 4/5

Premier film d'une trilogie vous ne serez pas déçu. Produit par le réalisateur danois Mikkel Norgaard, ce film est basé sur une série de livres écrit par un autre danois Jussi Adler-Olsen. Pour les avoir lu, je peux témoigner de leur excellence. Ils sont merveilleusement bien écrit, l'histoire est prenante et ce qu'il m'a plu c'est que le film leur fait fidélité. Un deuxième est déjà sorti : Profanation et un troisième ne devrait pas tarder : Délivrance.

L'histoire est à propos d'un flic prénommé Carl Mørck qui après une bavure lors d'un précédente enquête se retrouve à trier des dossiers sur des affaires classées dans le sous-sol de son commissariat. Également assisté par Assad, un syrien au passé trouble, il va vite désobéir aux ordres et décide de rouvrir une affaire vieille de quelques années à propos de la disparition soudaine et énigmatique d'un jeune politicienne.

Le rythme est plutôt lent mais cela ne signifie pas que l'action n'est pas au rendez-vous. C'est un film à l'atmosphère noir, mystérieux, avec des moments faisant un peu plus peur que d'autres et qui se détache des thrillers américains connus pour être beaucoup plus bruts généralement. 


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08 septembre 2015

Le Tout Nouveau Testament : critique

le tout nouveau testament

==> 5/10


On retrouve à nouveau Benoît Poelvoorde dans une comédie belge, en ce moment, à l'affiche, et ce, seulement deux semaines après la sortie d' "Une Famille A Louer", où l'acteur tient un des rôles principaux.


Résumé: (source Allociné)

          Dieu existe. Il habite à Bruxelles. Il est odieux avec sa femme et sa fille. On a beaucoup parlé de son fils, mais très peu de sa fille. Sa fille c’est moi. Je m’appelle Ea et j’ai dix ans. Pour me venger j’ai balancé par SMS les dates de décès de tout le monde…


Attention SPOILERS ! Ne pas lire la suite si vous n'avez pas vu le film !


Mon avis :

           Je dois avouer que je suis mitigée quant à l'effet que m'a fait ce film. Je ne suis ni convaincue ni transportée au-delà de ce que j'espérais mais j'ai quand même apprécié beaucoup d'aspects.


        Citons tout d'abord les points positifs de ce long métrage. La performance de Benoît Poelvoorde est pour moi excellente. Il joue très bien le Dieu "enfoiré", mesquin, méchant que l'on a pu entrevoir dans la bande annonce. Il arrive à nous convaincre qu'un Dieu toujours mécontent, n'aimant pas les gens et voulant pourrir leurs vies puisse exister. De plus, Ea, ou du moins l'actrice interprétant le rôle de la fille de Dieu, Pili Groyne, est un jeune talent plein de potentiel. Elle est très touchante (en général) dans le film, pleine d'humour et on s'attache à elle au fur et à mesure que le film avance. Enfin, le point vraiment très positif est l'humour qui est très présent. On rit beaucoup et même pour des choses vraiment stupides comme, par exemple, Martine (Catherine Deneuve) qui s'éprend d'un gorille. D'autres éléments marrants se trouvent également au début du film quand Dieu crée ses lois. Chacune est numérotée et mentionne, en fait, des choses très vraies, vériques de notre vie quotidienne telles que "la tartine tombe toujours du côté de la confiture", "la file d'à côté va toujours plus vite que la nôtre", "quand on plonge un corps dans la baignoire le téléphone sonne", etc. Nous saluerons également Kevin, qui nous a bien fait rire ! ;) (Ceux qui ont vu le film comprendront).


Pour terminer cette partie, et à vrai dire je ne sais pas s'il convient de la mentionner dans les points positifs ou négatifs : la mère. Jouée par Yolande Moreau, elle est horripilante au possible. La seule chose qui la passionne est le baseball et fait une obsession sur le nombre 18, représentant le nombre de joueurs dans une équipe de ce même jeu. Tout le film va finir par tourner autour de ce nombre et enfin, la mère d'Ea, terminera par être "Dieu". Or, la fin du film m'a complétement déçue et je n'ai pas du tout aimé. En effet, elle décide de créer un monde plus que loufoque avec des fleurs en guise de ciel, une gravité différente qui permet de marcher à la verticale, permet à Martine d'avoir un bébé avec le gorille, bébé qui se révélera être humain...enfin tout ça est très bizarre. 


         Profitons de cette petite transition pour aborder les points négatifs et il y en a. Le réalisateur, je suppose, a voulu essayé de créer une comédie d'un nouveau genre. Or, ça ne marche pas. La comédie est présente mais pas assez encore à mon gôut. Le niveau est très inégalitaire. En effet, desfois le rire est poussé à l'extrême et à d'autres moments les blagues ou l'humour en général fait un flop car ce n'est soit pas drôle ou soit ne va pas assez loin. Aussi, Dieu est censé être le personnage principal de ce film mais en réalité il n'est pas énormément présent. On voit davantage sa fille que lui. Et je pense que c'est ce qui manque le plus dans ce film car on apprécie davantage la personnalité mesquine de Dieu que le personnage lisse et légérement rebelle que peut réprésenter sa fille. Elle est trop gentille et parfois même naïve, ce qui peut en énerver plus d'un. Mais comme je l'ai mentionné auparavant, elle reste touchante par certains moments, dans certaines situations. Pour conclure sur ces points négatifs, je dirai que l'un des plus importants est la quête des fameux apôtres qu'Ea recherche afin d'écrire son nouveau testament. On ne sait pas comment elle arrive à les trouver pour la majeure partie, on ne sait pas pourquoi ce sont eux en particulier qui ont été choisis. D'accord, elle les pioche au hasard dans un tiroir mais quand même pourquoi ce genre de personnalités a été choisi. Qu'est-ce qui les rend spécial par rapport à d'autres ? Tout ça reste très flou. De même que le lien des personnages entre eux est étrange et bien souvent soudain. Je veux parler, biensûr, de François (François Damiens) qui tombe brusquement amoureux d'Aurélie (Laura Verlinden), d'un simple coup d'oeil ou du moins d'un coup de fusil...


Malgré l'humour, le rire et cette atmosphère décalée, le scénario présente des failles, les histoires des personnages ne sont pas assez étoffées et certaines actions restent incompréhensibles. Par conséquent, c'est un bilan vraiment mitigé, pour ma part, que je tire ici. 


Et vous, quand avez-vous pensé ?


Posté par AddictJude à 20:00 - - Commentaires [0] - Permalien [#]
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